EL ARTE
Origen del Arte
El origen del
arte aparece en el período paleolítico, esto lo podemos presenciar en las
pinturas y bocetos en las cuevas dan indicios a que el origen del arte tiene
lugar en el paleolítico inferior.
En la prehistoria,
que es el período de nacimiento del arte, las teorías suponen que el principal
propósito del arte era el religioso (creencias y manifestaciones espirituales),
seguido luego por el estético (intención de adornar).
Es importante conocer el
ambiente en el que se desplazaban los hombres primitivos, conocer las piezas y
objetos manipulables de la época. Pues estos recursos permitieron al hombre
hacer arte.
También es posible apoyarse en
el arte mural (conocida como arte rupestre), pues las pinturas en las cuevas se
han conservado a lo largo del tiempo, y se conoce bien que estas fueron el
refugio del ser humano en aquella época.
Cuando en el nuevo período (el
período Holoceno), el arte parece tener lugar en cada rincón del mundo de
manera sincronizada.
La pintura rupestre tiene
lugar tanto en cuevas de Argentina como en las de Australia; es decir, la
práctica se había extendido en todo el mundo.
El arte en la prehistoria casi
en su totalidad era representativo o figurativo. Si bien había idealizaciones y
distorsiones, los objetos o seres vivos que aparecían en el arte tallada o
pintada, eran reconocibles. No había mucho arte abstracto.
Lo más común era ver
representaciones de animales, seguido de seres humanos; y en otras ocasiones,
se podían ver híbridos entre estos (con seguridad, se trataba de
representaciones relacionadas a deidades). Estos eran plasmados en superficies
sólidas (rocas y huesos) se utilizaba como herramienta el buril, que era un
pequeño utensilio fabricado a partir de piedra y tomaba el rol de cincel en
aquellos tiempos.
Mientras que el gravado
aparece en las primeras épocas del paleolítico como un equivalente del dibujo a
pintura, el relieve recién puede verse a finales de esta.
Definición
Antonie Tapies dijo que el
arte es la filosofía que refleja un pensamiento. En términos genéricos el arte
proviene de la abstracción y la singularidad. Depende, en todos los rincones
del mundo, de los ojos que lo miren, los oídos que lo escuchen, las ideas que
lo atraviesen. Cuando los bolsillos que llevas se cargan y llenan de
experiencias predicen percepciones, describen lineamientos y administran
conductas y percepciones. Hablar de la “filosofía” que refleja un pensamiento
dice relaciónmarc-chagall-peignant con ese vínculo tácito que revuelve los
antojos de una individualidad y la expresa a otro, o bien, la recibe. Así se
reflejarían los pensamientos que describe Tapies y que toma también, de cierta
forma, Marc Chagall al decir que el arte es un estado del alma. Porque depende
y siempre depende. Varía y fluctúa, corre por torrentes propios que le llevan a
canales diversos a los que llega de la forma en que ellos deciden, tanto para
el creador como para el espectador representa, y cuando hablo de representar,
lo hago en sentido literal, materializa un estado.
Por otra parte, hay quienes
como Vincent Van Gogh creyeron que el arte es el hombre agregado a la
naturaleza, dándole al misterio de la vida y la forma en que ambos (naturaleza
y hombre) interactúan, una solución mágicamente abstracta e indescifrable,
quizá indefinible en estricto rigor. La misma idea toma Da Vinci cuando dice
que la pintura es poesía ciega, tratando de adaptar o transcribir al lenguaje
ese fenómeno que ocurre cuando la expresión se vuelve inexpresable y sólo puede
ser transmitida a través de canales que se apartan de lo estricto y moldean la
ambigüedad: lo que se respira, se vive y no se contornea.
En resumen, tomemos la
elocuencia de Thomas Browne: “el arte es la perfección de la naturaleza. La
naturaleza hizo un mundo y el arte otro”. Y no meramente por el sentido, sino
también por lo estético. El arte es goce y así lo definió también Auguste Rodin
como “placer de un espíritu que penetra en la naturaleza y descubre que también
ésta tiene alma”, porque colinda con la belleza propia de la expresión, porque
se codea con las metáforas y porque como dijo Edgar Degas es un vicio, no te
cansas con él legítimamente, lo raptas.
Es para Picasso “una mentira
que nos acerca a la verdad”, pero no una mentira una materialización ficticia
de aquello que la verdad y la realidad no puede contener ni abarcar.
Las Siete Artes Clásicas
Las
7 bellas artes: Arquitectura
Los antiguos griegos fueron quienes crearon la
base, pero la primera vez que se acuñó el término bellas artes fue en
el siglo XV por Charles Batteaux, quien lo usó para definir con tan solo un par
de palabras todas estas manifestaciones artísticas.
La arquitectura es una de las artes,
debido al ingenio y gran uso de la estética que se requiere para crear
edificaciones armónicas con el espacio y perdurables en el tiempo. Para los
antiguos griegos, con monumentales edificios como el Partenón y
arquitectos como Parmenio, encargado de erigir Alejandría, la arquitectura era
uno de los aspectos más fundamentales de su civilización, y un arte en toda
regla.
Las
7 bellas artes: Escultura
La escultura es otra de las 7
bellas artes. La capacidad de usar esta habilidad para crear figuras y formas
en 3D es reconocida desde la antigüedad, y hoy sigue siendo considerada una de
las formas de arte más primordiales.
Las
7 bellas artes: Pintura
Entre las 7 bellas artes la pintura
es quizá una de las disciplinas más reconocidas. Desde la antigüedad el hombre
la emplea como una forma de expresión y un mecanismo para capturar la realidad.
A lo largo de la historia han sido cientos los pintores reconocidos, por eso no
es de extrañar que hoy en día siga siendo una de las bellas artes más populares
y apreciadas.
Las
7 bellas artes: Música
La capacidad de usar instrumentos para generar
sonidos hermosos hace que la música sea considerada, de forma
inequívoca, como una de las 7 bellas artes. Esta vía de creación ha acompañado
al hombre desde su propia existencia, siendo una forma de comunicación, pero
también un arte que ante todo nos genera placer. Se trata de una de las maneras
más cotidianas de acercarnos a las bellas artes.
Las
7 bellas artes: Literatura
La literatura es
el arte que se vale de la palabra para crear. Aunque solemos decir que es
propiamente la literatura una de las bellas artes, la poesía y el
teatro también están incluidos en esta forma. Ambas han ofrecido invaluables
aportes a la humanidad, con piezas y autores que indudablemente constituyen una
obra de arte en sí mismas.
Las
7 bellas artes: Danza
La danza forma parte de las 7
bellas artes debido a los vigorosos movimientos al ritmo de la música que
en ella se emplean, y que sirven como uno de los medios de expresión más
estéticos que podemos disfrutar.
Las
7 bellas artes: Cine
Por último, pero no menos importante,
está el séptimo arte: el cine. Añadido a esta lista en el siglo XX, fue
Ricciotto Canudo, teórico y crítico cinematográfico, quien en 1911 mediante su
"Manifiesto de las siete artes" acuñó el término séptimo arte para
incluir al cine entre las bellas artes. Hoy es uno de los medios de expresión
artísticos más populares del mundo, con piezas de gran valor audiovisual que se
consideran como clásicos entre los estudiosos y cinéfilos.
¿Por
qué el teatro no está entre las 7 bellas artes?
Muchos se preguntan por qué el teatro no figura
en la lista de las artes clásicas, la respuesta es simple: el teatro no es un
género independiente, sino que se encuentra dentro de la literatura, que
de por sí es considerada como una de las bellas artes.
De este
modo es importante recordar que al hablar de literatura se engloba también en
ella la poesía y el teatro.
Ideas para el aula de clases
Mark
Rothko es uno de los más grandes pintores estadounidense contemporáneos, fue
profesor de escuela por cerca de 20 años en el Brooklyn Jewish Center, para él
los trabajos artísticos que producían sus alumnos de kínder era una obra
artística que elogiaba la frescura, autenticidad e intensidad emocional en sus
creaciones. Fue ello lo que llevó a escribir un ensayo titulado “New training
for future artists a and art lovers” en 1934.
Todos
podemos hacer arte, eso pensaba Rothko, incluso sin ningún tipo de talento
innato o entrenamiento profesional, pues el arte se trata sobre todo de
expresión, afirmaba el pintor. "Los niños tienen ideas, a menudo buenas, y
las expresan vívida y bellamente, para hacernos sentir lo que sienten. Por lo
tanto, sus esfuerzos son intrínsecamente obras de arte”, afirma el artista en
sus notas.
La
expresión de un niño para Rothko es frágil. Asignar tareas artísticas con
parámetros estrictos o enfatizar la perfección técnica rápidamente puede quitar
el interés del niño. Por eso, no hay que empezar enseñando sobre el dibujo,
sino sobre el color, explica Rothko. Es por ello que nos presenta estas cinco
ideas para tener en cuenta al educar a un niño en las artes.
1. Muestre
a sus estudiantes que el arte es una forma universal de expresión, como lo es
cantar o hablar.
2. Tenga
cuidado con suprimir la creatividad de un niño con entrenamiento académico.
3. Exponga
las obras de sus alumnos para mantener su autoconfianza.
4. Introduzca
a la historia del arte con arte moderno (no con los viejos maestros del arte).
5. Trabaje para cultivar pensadores creativos, no artistas profesionales.
EL DIBUJO
Desde
los inicios de la humanidad, el ser humano ha tenido la necesidad de plasmar
todo lo que le rodeaba, su naturaleza, su manera de vivir, etc. El dibujo se ha
venido utilizando desde la era primitiva, donde el hombre lo utilizaba como
medio de comunicación donde pintaba diferentes dibujos que hoy en día se pueden
apreciar en distintos lugares y que han sido denominadas como “pintura
rupestre”.
♥
Los primeros dibujos se remontan en el
Paleolítico Superior, aproximadamente hace 35,000 años, cuando el Homo Sapiens plasmaba sobre las piedras,
paredes rocosas de las cuevas o sobre la piel de animales que cazaban. En el
mundo han encontrado estas pinturas rupestres, que hoy son símbolos del arte
desde los inicios de la humanidad.
♥ La
cultura egipcia también supo reconocer el dibujo como una expresión de arte.
Habían pasado miles de años para que el dibujo revolucione en esta parte del
mundo. Pasaron de la composición de un elemento, a dibujos más complejos,
donde el color resaltaba cada representación teológica de templos y santuarios.
♥ Los
griegos fueron los máximos representantes del dibujo, pues se preocupaban por
tener la máxima expresión perfecta del ser humano, que la despoje de toda
connotación sobrenatural, para centrarse y obtener armonía en sus lienzos.
♥ En la
Edad Media se predominaban las representaciones vivaces. Con la invasión árabe
se introdujo una revolución en el dibujo y la pintura, pues se crea el
papel. Y con la invención china, se facilita que la ilustración deje de ser una
actividad exclusiva para los monjes, sino para todos. Desde ese momento, ya se
manifiesta el dibujo a color.
♥ En la
etapa Renacimiento cobra más importancia en reconocer la belleza y saberla
expresar. En la cultura greco-romana, se vuelve a imponer lo natural y lo
escueto. Además, se reflejan bustos de miles de retratos. El desnudo femenino
empieza a ser piezas artísticas de muchas creaciones. Por ello, el dibujo
asciende a tener más protagonismo gracias a las nuevas técnicas de colores.
♥ A
partir del siglo XIX, se difunde nuevos estilos como el romanticismo, el
realismo, el impresionismo, el impresionismo, el cubismo, el surrealismo, entre
otros.
Definición
El dibujo es el arte y técnica
de dibujar. Mediante este acto queda plasmada una imagen, sobre un papel,
lienzo o cualquier otro material, haciendo uso de diferentes técnicas.
El dibujo es una forma de expresión gráfica en un plano
horizontal, es decir en dos dimensiones. Es también una de las artes visuales. A lo largo
de los años la humanidad lo ha utilizado como una forma de expresión universal
y también de transmisión de la cultura,
el lenguaje y demás.
El
dibujo sirve de herramienta expresión de los pensamientos o de los
objetos reales, cuando hay cosas que las palabras no pueden explicar se dice
que es mejor dibujar. Siempre el artista realiza un trabajo mental previo a
plasmar sus ideas, en donde mezcla ideas, sentimientos, recuerdos u otros para
obtener el acabado final.
Tipos
De Dibujo
1. Artístico:
En este tipo de dibujo se expresan las ideas del artista, haciendo uso de diferentes técnicas, como la perspectiva, e incluso de materiales, ya que existe una extensa variedad de lápices y otros elementos para dibujar, como el carboncillo.
En este tipo de dibujo se expresan las ideas del artista, haciendo uso de diferentes técnicas, como la perspectiva, e incluso de materiales, ya que existe una extensa variedad de lápices y otros elementos para dibujar, como el carboncillo.
2. Técnico:
Este segundo tipo es utilizado para hacer representaciones de diferentes cosas, por ejemplo, planos de arquitectura o dibujos topográficos. En el dibujo técnico la principal intención es representar de la mejor forma posible, de la más exacta, las dimensiones y la forma de un objeto determinado. Es la clase de dibujo que utilizan los profesionales en su trabajo (ingenieros, arquitectos, geólogos, etcétera).
Este segundo tipo es utilizado para hacer representaciones de diferentes cosas, por ejemplo, planos de arquitectura o dibujos topográficos. En el dibujo técnico la principal intención es representar de la mejor forma posible, de la más exacta, las dimensiones y la forma de un objeto determinado. Es la clase de dibujo que utilizan los profesionales en su trabajo (ingenieros, arquitectos, geólogos, etcétera).
Técnicas
de dibujo
- El
carboncillo: imprescindible para los dibujantes. Es una
rama de arbusto (bonetero) transformada por el efecto de
la combustión, según un procedimiento emparentado con la fabricación del
carbón. El carboncillo es muy adecuado para la realización de retratos y
bocetos.
- El
lápiz compuesto (o lápiz Conté): es un lápiz de carbón
compuesto que se suele emplear junto con el carboncillo, aunque su precisión es
mucho mayor.
- La
piedra negra: contrariamente a lo que indica su nombre,
puede ser negra pero también blanca. Es parecida al carboncillo, pero mancha
menos. La piedra blanca permite dibujar sobre papel de color, aportando un
toque de originalidad.
- El
sepia: se trata de una sustancia colorante marrón que se obtiene
a partir de un cefalópodo del mismo nombre (sepia). Se suele utilizar en
lápices o en barras para dibujar y la técnica que se emplea suele ser la misma
que la del lápiz o el carboncillo.
- La
sanguina: como su nombre indica, se trata de un material de color
rojizo, ocre, marrón e incluso naranja. En el pasado, se solía emplear en los
borradores de los frescos. Actualmente, es ideal para dibujar volúmenes y
modelados de retratos y desnudos.
- El
grafito: dicho de otro modo, ¡el lápiz! Es, sin duda, tu
herramienta principal para dibujar. está compuesto por una mezcla de grafito
natural pulverizado y arcilla horneados a unas temperaturas determinadas. Según
la dureza de la mina se empleará una u otra proporción de grafito-arcilla, pues
cuanta más arcilla contenga, mayor dureza presentará. Es muy práctico para
crear contrastes y se declina en diferentes versiones más o menos grasas según
las necesidades.
- La
tinta (tinta china): se trata de un material líquido que se puede
emplear con pincel o plumilla y que sirve para realizar dibujos lineales y
tonalidades.
- El
rotulador: herramienta de dibujo que permite crear marcas de color y
que en conjunto permite definir áreas de tonos claros y oscuros. Su uso se
suele limitar a imágenes que no presenten demasiados detalles.
- El
bolígrafo: su uso suele ser bastante complejo, pues apenas admite la
corrección.
- Los lápices de colores: tanto los lápices como los monocromos de grafito se utilizan para dar distintos tonos a una representación gráfica.
- El óleo: se trata de una técnica pictórica que consiste en mezcla distintos pigmentos con un aglutinante a base de aceites (por lo general, de origen vegetal). Gracias a los aceites se aporta fluidez y gracias a los pigmentos densidad. De este modo, el óleo permite crear distintas tonalidades y una gran cantidad de colores.
a. Instrumentos.
Comprende todos los artefactos que trazan las líneas y también aquellos que permiten hacerlas, así como los lápices de grafito y las reglas.
Comprende todos los artefactos que trazan las líneas y también aquellos que permiten hacerlas, así como los lápices de grafito y las reglas.
b. Tintas.
Son los pigmentos y los colores que el artista utiliza para dar más cuerpo a su obra. Pueden aplicarse con ayuda de instrumentos secos, como los lápices, o húmedos, como los marcadores.
Son los pigmentos y los colores que el artista utiliza para dar más cuerpo a su obra. Pueden aplicarse con ayuda de instrumentos secos, como los lápices, o húmedos, como los marcadores.
c. Soporte.
Todos los elementos que ayude a sostener el papel o sobre el que se dibuje, como un lienzo.
Todos los elementos que ayude a sostener el papel o sobre el que se dibuje, como un lienzo.
LA DANZA
Etimología:
Deriva del vocablo francés danse, surgiendo presuntamente
del germánico dintjan que refería el movimiento de un lado al otro, tal como
ocurre en esta práctica. El origen alemán de esta palabra se explica en el
hecho que fueron los pueblos germánicos quienes reintrodujeron las danzas luego
que estuviese mucho tiempo
prohibidas por el cristianismo. Consiste en una secuencia de movimientos
corporales que acompañar de manera rítmica la música. Asimismo, la danza es
entendida como un medio de expresión y comunicación.
Origen
Los primeros en reconocer la danza como un arte
fueron los griegos que le dedicaron en su mitología una musa. Terpsícore. Su
práctica estaba ligada al culto del dios Dionisio y, junto con la poesía y la
música, era elemento indispensable de la tragedia griega, donde la catarsis
ponía al individuo en relación con los dioses; aunque también entre los griegos
cumplía la danza una función de comunicación y cohesión social.
Definición
La danza es una de las expresiones corporales más
ancestrales que caracterizan a la historia del ser humano. Se trata de la
expresión principalmente corporal que acompaña un ritmo acústico. De este modo,
encontramos que se dice que la danza es “el lenguaje del cuerpo”
Elementos que conforman a la
danza
La danza se compone de diversos elementos básicos
que se interrelacionan, logrando transmitir emociones al público y para el
mismo bailarín.
El uso predominante de uno u otro elemento no es
siempre parejo; en ciertos bailes predomina el ritmo, en otros el uso del
espacio, en otros el estilo, etc. Es importante destacar que de acuerdo al tipo
y género de baile se acentuará el uso de uno u otro elemento. Dentro del baile
se van creando nuevos géneros y variantes al crear nuevas
coreografías y de esta forma se van diversificando.
Tipos de danza
Existieron muchos tipos de bailes y géneros de
danza, generalmente se clasifica a estos en tres grandes grupos:
Las danzas clásicas
Es conocida como la madre de todas las danzas y
tiene su origen en Europa, en los bailes cortesanos de la real nobleza, como
divertimento para esta clase social.
A medida del paso de la historia esta forma de
baile fue evolucionando en diferente tipo de danza clásica y en el ballet
clásico moderno.
La danza clásica hoy es vista como una
representación de la elegancia y estilo más puros, donde los bailarines
desarrollan sus movimientos de forma perfecta y de acuerdo con los tiempos que
poseen las músicas.
Es un estilo de danza que requiere mucha
disciplina y entrenamiento por la dificultad que requiere aprender a bailar
clásico.
Ejemplos:
- El lago de los cisnes
- Cenicienta
- Ballet
- Flamenco
- Danza del vientre
Las danzas modernas
Son practicadas generalmente por jóvenes y
conllevan todo un tipo de identidad social a través de la forma de entender la
vida e incluso de vestir. Es una clase de danza en la que se busca expresar, a
través del bailarín, una idea, un sentimiento, una emoción, al igual que el
ballet clásico, pero mezclando movimientos corporales propios del siglo XX y
XXI.
Ejemplos:
- Hip Hop.
- Jazz.
- Salsa
- Ritmos Latinos.
- Break Dance
- Jumpstyle
- Rock and roll
Danza Tradicional
Son todas aquellas que se transmiten por
tradición de generación en generación, y a su vez forman parte del imaginario e
identidad cultural de una comunidad o región específica, tienen por lo común un
origen ritual. Dentro de las danzas tradicionales se encuentran las
folklóricas, las regionales y las populares.
Ejemplos:
- La marinera.
- El huayno.
- El vals peruano.
- Danza de tijeras
La danza en otras aplicaciones:
En el deporte también se incorpora la danza, como
en la gimnasia, el patinaje
artístico sobre hielo o sobre ruedas,
la natación
sincronizada y la gimnasia
rítmica, como asimismo el kata,
de las artes
marciales, que puede asociarse como un tipo de baile. Por otro lado
también se utiliza como figura
literaria metafórica,
por ejemplo, al describir el movimiento de objetos inanimados: las hojas
bailaban con el viento. Asimismo la danza también desempeña un papel
comunicativo dentro de los patrones de comportamiento de los animales, como la danza de las abejas, o
algunas especies de aves como el Fusil
magnífica, en que el macho baila para atraer a la hembra al
apareamiento (a esto se le conoce como cortejo)
TEATRO
Etimología
El
teatro (del griego: θέατρον, theátron o «lugar para contemplar» derivado de
θεάομαι, theáomai o «mirar»)es la rama de las artes escénicas relacionada con
la actuación. Representa historias actuadas frente a los espectadores o frente
a una cámara usando una combinación de discurso, gestos, escenografía, música,
sonido o espectáculo.
También
se entiende como «teatro» el género literario que comprende las obras de teatro
representadas ante un público o para ser grabadas y reproducidas en el cine,
así como a la edificación donde se presentan tradicionalmente dichas obras o
grabaciones. En adición a la narrativa común, el estilo de diálogo, el teatro
también toma otras formas como la ópera, el ballet, el cine, la ópera china o
la pantomima.
Origen del teatro
El
teatro nació en Atenas, Grecia, entre los siglos V y VI Antes de Cristo. Los
atenienses celebraban los ritos en honor a Dionisio, dios del vino y de la
vegetación. Estas primitivas ceremonias rituales acaban evolucionando hacia el
teatro, constituyendo uno de los principales logros culturales de los griegos.
Cada una de las ciudades y colonias contó con un teatro.
El
primer teatro construido fue dedicado a Dionisio. Se dividía en tres partes la
orquesta, el lugar para los espectadores y la escena. Los primeros teatros
griegos constaban de dos formas: un espacio circular donde se alzaba la estatua
de Dionisio y el hemiciclo para los espectadores. Se accedía a través de dos
callejones. Las gradas tenían forma de semicírculo.
Los
romanos adoptaron la forma y la disposición de los teatros griegos, pero
construyeron gradas en los lugares donde no existían colinas.
Tipos de teatro
Drama
Un
drama es un modo de ficción representado en una obra de teatro. El término
proviene de una palabra griega que significa "acción", la cual deriva
del verbo δράω, dráō, "hacer" o "actuar". La puesta en
escena de un drama en el teatro es realizada por actores en un escenario frente
a una audiencia, presupone la adopción de modos colaborativos de producción y
una forma colectiva de recepción. A diferencia de otras formas de literatura,
la estructura dramática de los textos se encuentra directamente influenciada
por esta producción colaborativa y recepción colectiva. La tragedia de
comienzos de la edad moderna Hamlet (1601) de Shakespeare y la tragedia clásica
ateniense Oedipus Rex (c. 429 AdC) de Sófocles son algunas de las mejores obras
de arte dramático. Un ejemplo moderno sería Largo viaje hacia la noche de
Eugene O'Neill (1956).
El
modo dramático ha sido considerado un género de la poesía, y se lo ha
contrastado con los modos épico y lírico comenzando con la Poética de Aristóteles
(c. 335 AdC), la obra más antigua sobre teoría dramática. El uso de la palabra
"drama" en un sentido estricto se utiliza para hacer referencia un
tipo específico de obra de teatro del siglo XIX. En este sentido drama se
refiere a una obra que no es ni una comedia ni una tragedia, por ejemplo, la
obra Thérèse Raquin (1873) de Émile Zola o la obra Ivanov (1887) de Chéjov. Sin
embargo, en la antigua Grecia, la palabra drama abarcaba todos los tipos de
obras de teatro, tragedias, comedias, y otras formas intermedias.
A
menudo el drama es combinado con elementos de música y danza: por lo general en
la ópera la totalidad del texto del drama es cantado; los musicales por su
parte por lo general contienen tanto diálogo hablado como canciones; y algunas
formas de drama incluyen música incidental o un acompañamiento musical que
acompaña y refuerza el diálogo (por ejemplo, el melodrama y el Nō japonés). En
ciertos períodos históricos (la Antigua Roma y el Romanticismo moderno) algunos
dramas fueron escritos para ser leídos en vez de para ser puestos en escena.
En la improvisación, el drama no existe previo al momento de la obra; los
actores crean y desarrollan un argumento dramático de manera espontánea ante la
audiencia.
Tragedia
La
tragedia es una imitación de una acción que es seria, completa, y que posee
cierta magnitud: en un lenguaje con los varios tipos de ornamentos artísticos,
los diversos tipos asociados con las distintas partes de la obra; en forma de
una acción, no una narrativa; mediante la compasión y el miedo afectando el
desarrollo de estas emociones.
Aristóteles,
Poética
La
frase de Aristóteles "los diversos tipos asociados con las distintas
partes de la obra" es una referencia a los orígenes estructurales del
drama. En el mismo las diversas partes con diálogo eran escritas en el dialecto
del Ática mientras que las partes corales (recitados o cantados) se realizaban
en dialecto dórico, estas discrepancias reflejaban los distintos orígenes
religiosos y las métricas poéticas de las partes que eran fusionadas en una
nueva entidad, el drama teatral.
La
tragedia se encuentra entroncada con una tradición específica de drama que ha
desempeñado un rol único y muy importante en la definición histórica de la
civilización occidental. La tradición ha tenido múltiples expresiones
discontinuas, el término a menudo ha sido utilizado para hacer referencia a un
poderoso efecto de identidad cultural y continuidad histórica—"los Griegos
y los Isabelinos, como un formato cultural; los Helenos y Cristianos, en una
actividad cotidiana," tal como lo plantea Raymond Williams. Desde sus
orígenes oscuros en los teatros de Atenas hace 2,500 años, de donde ha
sobrevivido solo una fracción de las obras de Esquilo, Sófocles y Eurípides,
mediante las elaboraciones particulares a través de las obras de Shakespeare,
Lope de Vega, Racine, y Schiller, hasta la más recientes tragedias naturalistas
de Strindberg, las meditaciones modernistas de Beckett sobre la muerte, la
pérdida, y el sufrimiento, y los retrabajos postmodernistas de Müller del canon
trágico, la tragedia ha continuado siendo un ámbito importante de
experimentación cultural, negociación, lucha y cambio. En la senda de la
Poética (335 AdC) de Aristóteles, la tragedia ha sido utilizada para marcar
distinciones de género, ya sea con la poesía en general (donde lo trágico se
contrapone con lo épico y lírico ) o con el drama (en el cual la tragedia se
enfrenta a la comedia).
Elementos básicos del teatro
El
teatro como se ha podido observar, constituye un todo orgánico del que sus
diferentes elementos forman una parte indisoluble. Esos elementos, no obstante,
poseen cada uno características y leyes propias y, en función de la época, de
la personalidad del director o de otras circunstancias, es habitual que se conceda
a unos u otra mayor relevancia dentro del conjunto. Estos elementos son:
Texto:
Libreto
Las
obras dramáticas se escriben en diálogos y en primera persona, en el que existe
las acciones que van entre paréntesis, (llamado lenguaje de acotaciones).
En la
tradición occidental, el texto, la obra dramática, se ha considerado siempre la
pieza esencial del teatro, llamado "el arte de la palabra". Dado que,
de forma más matizada, esta orientación predomina también en las culturas
orientales, cabe cuando menos admitir como justificada tal primacía. A este
respecto deben hacerse, no obstante, dos consideraciones: en primer lugar, el
texto no agota el hecho teatral, pues una obra dramática no es teatro hasta que
se representa, lo que implica como mínimo el elemento de la actuación; en
segundo lugar, son numerosas las formas dramáticas arcaicas y los espectáculos
modernos que prescinden por completo de la palabra o la subordinan a elementos
cual la mímica, la expresión corporal, la danza, la música, el despliegue escénico.
El
hecho de que la obra sólo adquiera plena vigencia en la representación
determina además el carácter distintivo de la escritura dramática respecto a
otros géneros literarios. La mayoría de los grandes dramaturgos de todos los
tiempos, desde los clásicos griegos al inglés William Shakespeare, el francés
Molière, el español Pedro Calderón de la Barca o el alemán Bertolt Brecht,
basaron sus creaciones en un conocimiento directo y profundo de los recursos
escénicos e interpretativos y en una sabia utilización de sus posibilidades.
Dirección:
director de escena
La
personalidad del director como artista creativo se consolidó a fines del siglo
XIX, aunque su figura ya existía como coordinador de los elementos teatrales,
desde la escenografía a la interpretación. A él corresponde convertir el texto,
si existe, en teatro, con los procedimientos y objetivos que se precisen.
Poderosos ejemplos de dicha tarea fueron los alemanes Bertolt Brecht y Erwin
Piscator, dedicaban su energía a conseguir del espectador su máxima capacidad
de reflexión, o el ascetismo del polaco Jerzy Grotowski.
Actuación
Las
técnicas de actuación han variado enormemente a lo largo de la historia y no
siempre de manera uniforme. En el teatro occidental clásico, por ejemplo, los
grandes actores, los "monstruos sagrados", tendían a enfatizar las
emociones con objeto de destacar el contenido de la obra, en la comedia del
arte el intérprete dejaba rienda suelta a su instinto; los actores japoneses
del Nō y kabuki, hacen patentes determinados estados de ánimo por medio de
gestos simbólicos, bien de gran sutileza o deliberadamente exagerados.
En el
teatro moderno se ha impuesto por lo general la orientación naturalista, en que
el actor por medio de adquisición de técnicas corporales y psicológicas y del
estudio de sí mismo y del personaje, procura recrear en escena la personalidad
de este. Tal opción, evolucionada en sus rasgos fundamentales a partir de las
enseñanzas del ruso Konstantín Stanislavski y muy extendida en el ámbito
cinematográfico, no es desde luego la única y en último extremo la elección de
un estilo interpretativo depende de características del espectáculo y de las
indicaciones del director.
Sin
embargo, actualmente, a inicios del siglo XXI, la actuación teatral con
tendencia naturalista está siendo replanteada seriamente. La teatralidad
contemporánea requiere una crítica del naturalismo como simple reproducción del
comportamiento humano, pero sin lazos con su entorno. Actualmente ha habido
grandes transformaciones del trabajo de Stanislavski siendo las más importantes
Antonin Artaud, Jerzy Grotowsky Étienne Decroux y Eugenio Barba. Estas
técnicas, llamadas actualmente extra cotidianas implican una compleja síntesis
de los signos escénicos.
Otros
elementos: Escenografía y Vestuario
De
forma estricta, se entiende por decorado al ambiente en que se desarrolla una
representación dramática, y por escenografía, al arte de crear los decorados.
Hoy en día, tiende a introducirse en el concepto de "aparato
escenográfico" a todos los elementos que permiten la creación de ese
ambiente, entre los que cabría destacar fundamentalmente a la maquinaria o
tramoya y la iluminación.
A lo
largo del tiempo y en diferentes momentos de la historia del teatro, la
escenografía ha sufrido importantes transformaciones. Antes de que el teatro
existiera como lo conocemos, las representaciones se realizaban con un sentido
ritual y en ellas ya se utilizaban los decorados para dar más realce, misterio,
ambientación, así como imagen escénica y espectacularidad a los actos rituales.
En el
teatro griego se utilizaban los periactos que eran unos apuntadores de base
triangular, tenían estos unas mamparas o paneles prismáticos, en cuyos planos o
caras se dibujaban, distintos decorados, de acuerdo con los requerimientos de
la escena que se estaba representando.
En la
antigüedad, la escenografía se hallaba condicionada a limitaciones técnicas y
arquitectónicas, circunstancia que se mantuvo durante toda la Edad Media. Fue
ya a fines del Renacimiento y, sobre todo, durante los siglos XVII y XVIII,
cuando la escenografía comenzó a adquirir realce, gracias al perfeccionamiento
de la perspectiva pictórica, que permitió dotar de mayor apariencia de
profundidad al decorado, y posteriormente al desarrollo de la maquinaria teatral.
En el siglo XIX, con la introducción del drama realista, el decorado se
convirtió en el elemento básico de la representación. El descubrimiento de la
luz eléctrica, en fin, dio pie al auge de la iluminación. Las candilejas, que
en principio eran un elemento accesorio, ahora se consideran poéticamente un
símbolo del arte teatral.
Estrechamente
vinculado con la concepción escénica, se ha hallado siempre el vestuario. En el
teatro griego, la tosquedad de los decorados se compensaba por medio de
máscaras —trágicas o cómicas— y las túnicas estilizadas de los actores, cuyo
objeto era de resaltar el carácter arquetípico de los personajes. Durante el
Barroco y el Neoclasicismo adquirieron importancia el maquillaje y el
vestuario, si bien este se empleó a menudo de forma anacrónica —se representaba
por ejemplo una obra ambientada en Roma con ropajes franceses del siglo XVII
hasta la aparición del realismo. En la actualidad, la elección del vestuario no
es sino un elemento más dentro de la concepción general del montaje.
El
narrador de parábolas hace bien en mostrar abiertamente al espectador todo lo
que necesita para su parábola, esos elementos cuya ayuda pretende mostrar el
curso ineluctable de su acción. El constructor escénico de la parábola muestra
pues abiertamente los focos, los instrumentos de música, las máscaras, las
paredes y las puertas, las escaleras, sillas y mesas, con cuya ayuda ha de
construirse la parábola.
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